With One Voice - Août 2025
La langue Māori est le héros : comment la musique revigore la culture en Nouvelle-Zélande
"Les peuples autochtones ont le droit de conserver, de contrôler, de protéger et de développer leur patrimoine culturel, leurs connaissances traditionnelles et leurs expressions culturelles traditionnelles, ainsi que les manifestations de leurs sciences, technologies et cultures." - Article 31 de la Déclaration des Nations unies sur les droits des peuples autochtones.
"Un grand visionnaire du waiata m'a dit un jour que "la langue Māori est le héros". En tant que bienfaiteurs de la langue et de la culture, nous devons rester humbles et maintenir notre responsabilité et notre devoir à l'égard de ce que nos ancêtres nous ont légué." - Dame Hinewehi Mohi
Un effort concerté pour créer une industrie musicale néo-zélandaise bilingue qui valorise et préserve la langue Māori, menacée d'extinction, est en train de se développer. Depuis "Poi E" en 1984, aucune chanson reo Māori n'a atteint la première place du hit-parade néo-zélandais. Son immense popularité a favorisé un sentiment de fierté et de confort autour de la langue, ouvrant la voie à sa désignation en tant que langue officielle avec la loi de 1987 sur la langue māori (Māori Language Act).
Dame Hinewehi Mohi est une figure centrale de la musique Māori. En 1999, elle est devenue la première personne à chanter l'hymne national néo-zélandais en māori lors de la Coupe du monde de rugby à Twickenham, déclenchant une conversation nationale difficile sur l'identité culturelle et la langue. Après sa prestation, la version māori de l'hymne national a été adoptée de manière bilingue et est encore aujourd'hui bien connue dans les deux langues.
Pour célébrer cet événement important, Dame Hinewehi, en partenariat avec Universal Music, a publié en 2019 « Waiata Anthems », une compilation de certaines des chansons pop les plus connues de Nouvelle-Zélande, traduites et chantées par les artistes eux-mêmes en māori. Cette entreprise d'envergure a nécessité l'adhésion et la collaboration des grandes maisons de disques ainsi que des artistes, dont certains, en tant que Māori, n'avaient jamais chanté dans leur langue maternelle auparavant. Dame Hinewehi a fait traduire chaque chanson par des experts en langues et a fourni aux participants des conseils de prononciation approfondis. L'album a été le premier album entièrement en reo à atteindre la première place, offrant au public une collection sans précédent de chansons pop modernes en langue Māori.
Sa capacité unique à unir l'industrie musicale lui a valu d'être nommée à l'APRA AMCOS en tant que Manukura, Puoro Māori / Directrice des membres Māori. Ce nouveau poste, ainsi que le soutien de l'organisation, lui ont permis, ainsi qu'à son équipe, de mener à bien de nombreux projets. Un exemple notable est la traduction de l'album de Lorde, "Solar Power", en "Te Ao Mārama", que Lorde a elle-même chanté entièrement en te reo Māori, en travaillant avec des experts linguistiques Sir Tīmoti Kāretu, Hana Mereraiha et Hēmi Kelly pour adapter les paroles. Un autre projet, « The Aotearoa Songbook », sert de ressource numérique pour préserver les œuvres du patrimoine et de l'héritage en enregistrant des versions correctes et définitives avec des attributions précises. Cette initiative a produit le tube « Tōku Reo Tōku Ohooho », qui figure toujours en bonne place dans les classements musicaux neuf mois après sa sortie.
En 2021, Recorded Music New Zealand a établi le classement officiel des 10 meilleurs titres Te Reo Māori. Récemment, plusieurs waiata reo Māori ont atteint consécutivement la première place du "Hot 20 Aotearoa Singles Chart", signalant une acceptation soutenue et croissante par le grand public. Des initiatives de financement stratégiques renforcent cette progression, comme le cofinancement "Waiata Takitahi" de NZ On Air avec Te Māngai Pāho, qui soutient la création et la promotion de singles bilingues.
La diffusion radiophonique de waiata reo Māori sur les principaux réseaux commerciaux a été multipliée par cinq entre 2019 et 2021. Les flux de titres waiata reo ont atteint 17,1 millions d'unités au quatrième trimestre 2024 - soit une augmentation de 18,2 % par rapport au quatrième trimestre 2023 - et représentaient 7,9 % du total des flux de la NZ.
Non contente que la France détienne le record du monde du plus grand haka, Dame Hinewehi a organisé un événement pour ramener le titre en Nouvelle-Zélande. En septembre 2024, 6 500 personnes ont joué "Ka Mate" à l'Eden Park (dépassant le record français de 4 028). Cet événement a été authentifié par le Guinness World Records et reconnu comme l'une des "histoires les plus heureuses de 2024" par la BBC.
Ces développements ne célèbrent pas seulement la proéminence de la musique Māori dans le paysage de l'industrie, mais encouragent et garantissent son potentiel pour les générations à venir.
Bic Runga - Auteur-compositeur et producteur, membre du comité exécutif du CIAM
Vous n'avez pas besoin de devenir viral pour devenir direct
En tant que compositrice, je sais à quel point il peut être épuisant de courir après les flux, les clics et les algorithmes en perpétuelle évolution. J'ai vu des artistes que j'admire mettre tout leur cœur dans leur musique, mais se sentir invisibles s'ils ne respectent pas les règles de quelqu'un d'autre.
Je l'ai ressentie aussi. Cette frustration silencieuse. Comme s'il manquait quelque chose d'essentiel.
Ce qui manque, ce n'est pas seulement l'argent, c'est la connexion. Ce lien plus profond entre l'artiste et l'auditeur. Celui qui valide ce que l'on ressent, qui reflète ce que l'on ne peut pas dire à voix haute et qui fait que toute cette lutte en vaut la peine. Lorsque les gens découvrent un morceau de musique qui les touche vraiment, ils ne se contentent pas de trouver une chanson. Ils s'y retrouvent.
C'est pourquoi l'idée d'une distribution directe est importante. Vous n'avez pas besoin de millions de flux - vous avez besoin de 1 000 vrais partisans. Des gens qui reviennent, qui sont attentifs, qui se sentent concernés. C'est ce qui permet de construire une carrière. Et si vous lisez ceci, vous le savez probablement déjà.
Il n'y a pas si longtemps, j'ai entendu l'activiste Maia Kahlke Lorentzen dire : « Notre maison sur l'internet nous quitte toujours ». Cette phrase m'est restée en tête.
Parce que oui, ce qui ressemblait autrefois à la construction de quelque chose de personnel ressemble aujourd'hui à jeter son travail dans un flux bruyant et sans fin en espérant que quelqu'un le remarque.
Nous nous noyons dans les métriques. Et nous perdons le sens.
Mais un changement est en train de s'opérer, et rapidement. MIDiA Research parle d'un « recalibrage » de l'économie des créateurs. Nous passons de l'échelle à la durabilité. Du bruit à la profondeur. Des plateformes d'emprunt aux relations de propriété. Ari Herstand appelle cela l'ère du « direct-to-fan ». C'est là que nous sommes. Et il n'y aura pas de retour en arrière.
Il s'agit d'un changement d'état d'esprit qui reflète ce que tous les artistes en activité savent déjà : c'est votre communauté de base - les fans qui reviennent, qui s'intéressent à vous, qui restent - qui vous permet de continuer à exister. Comme dans toute entreprise créative, ce sont les auditeurs assidus qui assurent la pérennité de l'entreprise. Pas les succès éphémères.
C'est pourquoi nous avons commencé à construire Sleeve - pour les millions de musiciens fatigués du streaming et des algorithmes, qui méritent mieux que des audiences louées et une portée qui disparaît.
Vous pouvez transformer les auditeurs en supporters fidèles et donner à vos plus grands fans un endroit où se connecter. Créez des abonnements payants, partagez des contenus exclusifs et gagnez des revenus mensuels qui s'additionnent, surtout si on les compare à ceux de la diffusion en continu. Publiez votre travail (premiers titres, vidéos des coulisses, démos) et vendez de la musique directement, selon vos conditions. Ajoutez des notes de pochette numériques pour faire connaître aux fans l'histoire qui se cache derrière les chansons. Gérez votre fan-club. Rassemblez tous vos liens et toutes vos offres en un seul endroit. Et surtout, commencez par les fans qui s'intéressent déjà à votre musique.
Donc, non, vous n'avez pas besoin d'être viral.
Vous devez être direct.
Car lorsqu'un fan vous paie 5 $ par mois, cela équivaut à plus d'un millier de streams. Si 10 personnes font de même, vous avez déjà gagné plus que la plupart des artistes sur Spotify. Mais plus important encore ? Vous avez construit quelque chose de concret. Quelque chose qui ne disparaîtra pas au prochain changement d'algorithme. Quelque chose qui dure.
Si cela vous parle, venez essayer Sleeve. Dites-nous ce qui manque. Aidez-nous à façonner le type d'espace que nous souhaitons tous voir exister.
Restez à l'écoute,
Anna Lidell - Compositrice et musicienne, ancienne membre du comité exécutif du CIAM et cofondatrice de Sleeve
Réflexions sur la valeur de la musique
La musique est un langage et un moyen d'expression universel. Elle possède une valeur immatérielle, car elle est culturelle et fait partie du patrimoine historique d'un pays. Elle a une valeur sociale, car elle est un vecteur d'expression de l'identité et de connexion entre les personnes. Elle a également une valeur émotionnelle, car elle évoque des moments, des souvenirs et influence l'humeur des gens.
D'un autre côté, si nous l'examinons d'un point de vue économique, dans une optique de recherche d'avantages compensatoires, quelle est la valeur de la musique ? Sous quel angle pouvons-nous considérer sa valeur ? Du point de vue de la personne lambda ? Du point de vue de la société de gestion collective qui perçoit et distribue les droits d'auteur ? Ou du point de vue de la valeur que l'auteur et le compositeur pourraient lui attribuer ?
Si l'on se place du point de vue d'une personne lambda ou d'un auditeur moyen, il est très probable que la musique n'ait qu'une valeur spirituelle, celle de transmettre des émotions et des sentiments. D'innombrables chansons ont accompagné des millions de personnes, qui se les sont appropriées à différents moments de leur vie et à travers l'histoire.
Pour l'auteur et le compositeur, quelle est la valeur de leur musique, de leur œuvre ? Sont-ils satisfaits des redevances qu'ils perçoivent, ou estiment-ils mériter une plus grande reconnaissance financière ? Considèrent-ils que tout le travail qu'ils ont accompli pour concrétiser leur vision compense les redevances accumulées ? Est-il probable qu'une certaine dimension soit perdue, précisément parce qu'ils l'évaluent de leur propre point de vue de créateur ? Et, bien sûr, il ne faut pas oublier la participation des éditeurs, qui reçoivent également un pourcentage de ces redevances.
Les sociétés de gestion collective sont connues pour protéger les droits de propriété intellectuelle, ainsi que pour collecter, distribuer et permettre aux créateurs de monétiser collectivement leurs chansons. Elles peuvent défendre légalement ces droits, ce qui est difficile à gérer individuellement pour un auteur. Nous sommes amenés à nous demander si les frais ODS (On-Demand Streaming, Lecture en continu à la demande ou Streaming à la demande) sont finalement suffisamment équitables pour donner une valeur exacte à la musique.
Je pense que donner une valeur matérielle à la musique est une question qui soulève plus de questions que de réponses et plus de doutes que de certitudes, même si la consommation de musique continue de croître rapidement dans le monde entier. Il ne fait aucun doute que la musique a une valeur intrinsèque qui dépasse sa valeur économique. Son impact sur la culture, les émotions et le développement universel en fait un élément essentiel de l'expérience humaine.
Facundo Saravia - Auteur-compositeur et membre du comité exécutif du CIAM